Nathan Chicheportiche
Le regard avant le discours
Nathan Chicheportiche fonde la Galerie Nathan Chiche en 2024. Formé au droit, à l’histoire de l’art et aux stratégies muséales, il développe un programme qui fait dialoguer artistes émergents, figures établies et artistes importants dont l’œuvre mérite parfois d’être regardée à nouveau. La galerie prend d’abord place dans une ancienne école conçue par Jean Prouvé, près de Metz, tout en développant ses projets à travers expositions, foires et collaborations en France et à l’étranger. À Paris, il reçoit collectionneurs, commissaires d’exposition, conservateurs et amateurs d’art dans un espace plus intime consacré aux œuvres et à la conversation. Une ligne se dessine : découvrir ce qui n’est pas encore regardé et faire regarder à nouveau ce que l’on avait oublié.
D’où vient votre rapport à l’art ?
Je me souviens très bien de la première œuvre que j’ai achetée aux enchères. Je l’avais payée 100 euros, presque instinctivement. Je ne savais pas exactement ce que j’achetais, mais quelque chose m’intriguait. Après expertise, on m’a confirmé qu’il s’agissait d’une véritable œuvre de Sonia Delaunay. C’était évidemment assez extraordinaire, mais ce qui m’est resté est autre chose : cette œuvre était là, devant tout le monde, et personne ne la regardait vraiment pour ce qu’elle était. Mon goût pour la recherche et la redécouverte vient probablement un peu de là.
Pourquoi avoir créé une galerie ?
Pour construire dans le temps. Une exposition dure quelques semaines, une foire quelques jours, une vente parfois quelques minutes. Une relation avec un artiste peut durer plusieurs décennies. C’est cette durée qui m’intéresse : découvrir un travail, l’accompagner, le confronter à de nouveaux contextes, le présenter à des collectionneurs puis aux institutions. Une galerie doit créer des trajectoires, pas simplement enchaîner les expositions.
Comment choisissez-vous un artiste ?
Je cherche une singularité. Quelque chose que je ne pourrais pas facilement retrouver chez un autre. Je ne veux surtout pas que toutes les œuvres de la galerie se ressemblent. Les générations, les médiums ou les cultures peuvent être très différents. La cohérence doit venir du regard, pas d’une esthétique. Et si je continue à penser à une œuvre trois jours après l’avoir vue, c’est généralement bon signe.
Vous vous intéressez autant à la découverte qu’à la redécouverte.
Oui. L’histoire de l’art n’est pas une ligne droite. Certains artistes ont occupé une place importante puis le regard s’est déplacé ailleurs. Parfois pendant dix ou vingt ans. Cela ne signifie pas que leur œuvre soit devenue moins forte. J’aime retourner dans les archives, revoir les œuvres, comprendre une trajectoire et les confronter à un regard nouveau. Redécouvrir ne veut pas dire fabriquer artificiellement un retour. Cela veut simplement dire regarder à nouveau, sérieusement.
La nouveauté ne vous obsède donc pas ?
Pas du tout. Une œuvre n’est pas meilleure parce qu’elle a été réalisée hier. Je peux être aussi enthousiaste devant le langage encore fragile d’un jeune artiste que devant une œuvre réalisée il y a quarante ans en me demandant : pourquoi ne la regarde-t-on plus ? J’aime cette phrase de John Berger : « Seeing comes before words. » Le regard précède les mots. On veut souvent expliquer trop vite. Parfois, il faudrait simplement regarder un peu plus longtemps.
« Le regard précède les mots. On veut souvent expliquer trop vite. »
Galeriste, marchand ou commissaire ?
Les trois, finalement. Galeriste d’abord, marchand évidemment, mais aussi commissaire. À Vantoux, chaque exposition commence par une recherche et une conversation avec l’artiste. Il ne s’agit jamais simplement d’accrocher des œuvres. Avec Barthélémy Toguo, par exemple, je lui ai proposé de penser l’école comme un sous-marin, presque comme un espace immergé. De là est née l’idée de 20 000 lieues sous les mers. C’est ce qui me plaît dans le commissariat : partir d’un artiste, d’un lieu et parfois d’une intuition un peu étrange, puis voir jusqu’où elle peut nous emmener.
Et cette école Jean Prouvé, comment l’avez-vous trouvée ?
Sur Leboncoin. Vraiment. Je suis tombé sur l’annonce presque par hasard. Puis j’ai découvert l’histoire du bâtiment et je suis allé le voir. J’ai tout de suite compris qu’il ne fallait surtout pas essayer d’en faire une galerie traditionnelle. Le lieu avait déjà une mémoire et une personnalité. Il fallait travailler avec lui, pas contre lui.
Prouvé définit-il la galerie ?
Non. L’École Jean Prouvé constitue un ancrage essentiel de la galerie, mais elle n’en détermine ni les contours ni l’horizon. Le programme se construit à partir des artistes, des œuvres et des dialogues qu’ils rendent possibles, indépendamment d’un lieu unique. Metz est un point de départ. Le regard de la galerie doit pouvoir s’affirmer avec la même évidence à Paris, Londres, New York, Bâle, Hong Kong ou ailleurs, au gré des expositions, des foires et des projets qu’elle accompagne.
Pourquoi recevoir également à Paris ?
Parce que j’aime prendre le temps avec les gens et avec les œuvres. J’y reçois des collectionneurs, des commissaires, des conservateurs ou simplement des amoureux de l’art. On peut sortir une œuvre, ouvrir un livre, en montrer une deuxième, parler pendant une heure et finalement revenir à la première. Il n’y a pas la pression d’un vernissage ou d’une foire. Vantoux permet l’exposition et l’expérimentation. Paris permet une autre proximité. J’ai besoin des deux.
Et le marché ?
Il est essentiel. Je n’ai aucun problème avec le mot marchand. Une galerie doit vendre pour accompagner ses artistes, produire des expositions et prendre des risques. Mais la vente n’est qu’un moment. Ce qui m’intéresse, c’est aussi ce qui se passe avant et après : où l’œuvre va, avec quelles autres œuvres elle va vivre, et quelle histoire elle va continuer à écrire.
Quelle relation souhaitez-vous avoir avec les collectionneurs ?
Une relation suffisamment sincère pour pouvoir parfois leur dire de ne pas acheter. Sinon je ne suis pas très utile. J’adore aussi déjeuner ou dîner chez eux. On découvre alors les œuvres autrement : celles achetées il y a vingt ans, celles qui ont changé de pièce, une sculpture devenue presque familière, un tableau qui dialogue par hasard avec quelque chose acheté dix ans plus tard. J’apprends parfois davantage sur un collectionneur à sa table que sur un stand de foire. Une collection n’est pas une accumulation d’objets. Elle finit par raconter une personnalité, des rencontres, des périodes de vie, parfois quelques obsessions. Les plus belles ont une voix.
« Une collection n’est pas une accumulation d’objets. Les plus belles ont une voix. »
Vous avez ouvert votre galerie jeune. Est-ce une force ?
Je n’ai pas trente années d’expérience et je ne vais pas faire semblant. Mais j’ai trente années devant moi pour construire. Je préfère cette perspective. Commencer jeune permet aussi d’imaginer certaines relations avec les artistes sur plusieurs décennies. Et peut-être de ne pas avoir encore appris à devenir trop prudent.
Vous avez peur de vous tromper ?
Bien sûr. Sinon ce serait inquiétant. Mais je préfère une erreur sincère à une décision parfaitement calculée et sans conviction. Une galerie qui ne se trompe jamais est peut-être simplement une galerie qui ne prend plus beaucoup de risques.
Qu’est-ce qu’une bonne exposition ?
Une exposition que j’ai envie de revoir lorsqu’elle est terminée. Et une exposition dans laquelle le discours ne parle jamais plus fort que les œuvres. « Une bonne exposition ne devrait pas vous expliquer quoi penser. Elle devrait vous donner envie de regarder une deuxième fois. »
« Une bonne exposition ne devrait pas vous expliquer quoi penser. Elle devrait vous donner envie de regarder une deuxième fois. »
À quoi aimeriez-vous que la Galerie Nathan Chiche ressemble dans dix ans ?
À une galerie que l’on reconnaît sans savoir exactement ce qu’elle va montrer ensuite. J’aimerais accompagner certains artistes depuis leurs premières années jusqu’à de grandes expositions institutionnelles, contribuer à la redécouverte de figures importantes, faire dialoguer les générations et développer des projets dans différents pays. Grandir, évidemment. Mais sans devenir une machine. Surtout sans devenir prévisible.
Quelle ambition avez-vous pour les artistes que vous accompagnez ?
Qu’un jour ils n’aient plus besoin que je les présente. Que leur nom et leur travail suffisent. Et pour ceux que l’histoire a momentanément laissés de côté, que l’on finisse par se demander comment on avait pu cesser de les regarder.
Et finalement, quelle est votre définition de l’art ?
Je me méfie des définitions trop précises. Dès que l’on décide exactement de ce qu’est l’art, on commence aussi à décider de ce qui n’en est pas, alors que toute son histoire est faite de déplacements de cette frontière. Mais s’il fallait répondre simplement, je dirais que l’art est ce qui modifie, même légèrement, notre manière de regarder. Une certitude, une mémoire, une sensation, quelque chose que l’on ne sait parfois même pas nommer. On peut passer dix secondes devant une œuvre et continuer à y penser dix ans plus tard. Peut-être que l’art commence précisément là : quand l’œuvre n’est plus devant nous, mais que quelque chose reste.
Galerie Nathan Chiche